A l’époque où les femmes n’avaient guère d’autre choix que de jouer à la maman ou la putain, Sabina Spielrein (1885-1942) occupa une place importante entre deux sommités du XXe siècle, Sigmund Freud et Carl Jung, qui fragilisèrent l’obsession de l’occident pour la toute-puissance du moi.

Notre époque étant celle de l’altérité qui vise à sortir le moi de son confort douillet, il existe un genre en soi de films sur les femmes oubliées de l’histoire considérées en leur lutte pour sortir de la minorité (la première ayant été Lola Montes d’Ophuls, et dernièrement la tendre amie de John Keats dans Bright star), au même titre que sur les noirs (Dans la chaleur de la nuit), les homosexuels (Milk de Gus van Sant), etc.

Ce cinéma dépasse rarement le stade du théâtre filmé, prisonnier qu’il est du vouloir-dire plutôt que du filmer. A dangerous method n’échappe pas à la règle avec ses allures de bal masqué et ses tunnels de dialogue qui lui donnent un air so frenchy. Le transfert vaut ici surtout pour les très grands comédiens qui servent de guide, Michael Fassbender en psychanalyste mystique protestant, Viggo Mortensen en gourou juif et athée convaincu d’avoir découvert à la fois le nouveau monde et la peste (même si la fameuse anecdote où il aurait déclaré devant Jung et Ferenczi, en arrivant en Amérique, qu’ils ne savent pas qu’ils leur apportaient la peste, aurait été inventée par Jacques Lacan), Vincent Cassel en poète anarchiste libertin…

David Cronenberg célèbre celle à qui Freud rend hommage dans Malaise dans la civilisation, comme l’inventrice de la pulsion de mort, Sabina Spielrein, enfant battu, amante bafouée, psychanalyste assassinée par les nazis après avoir échappé aux purges staliniennes qui eurent raison de son mari. Nous préférerons toujours mille fois les célébrations maladroites de la culture, comme dans le film allemand La vie des autres, aux polémiques anti-intellectuelles qui font vendre comme celle entreprise l’an dernier par Michel Onfray sur Freud, qui ne mérite ni prosternation ni insulte pour avoir inventé une méthode qui met les patients face à leurs névroses et en guérit certains.

A Dangerous Method – Bande annonce VOST HD par sortiescinema

On se rend compte du chemin parcouru par l’extrême droite dès lors que l’on s’aperçoit à quel point son discours a contaminé les conversations pour faire de l’étranger, de l’immigré, de l’autre, la cause de tous les maux contemporains. Le cinéaste finlandais Aki Kaurismaki a choisi un nom programme, le Havre, pour conjurer le sort d’une société portée par les grandes peurs millénaires. Il a donc posé ses valises au Havre en France, où Marx (André Wilms) rencontre Monet (Jean-Pierre Darroussin) sur la forme et le fond.

Impression, soleil levant peignait Monet en donnant sans le savoir un nom au dernier mouvement artistique populaire. Aki Kaurismaki filme un ancien sans domicile fixe hébergeant un sans papier gabonais en attente de passage à Londres. Le plus grand chef opérateur vivant, Timo Salminen, illumine des rades qui semblent sortis des années 60 et sublime les rues rectilignes dessinées par Auguste Perret après-guerre. Il retrouve dans le port le cadre qui plut à Monet et offre une dimension mythologique aux objets d’autrefois qui duraient alors au-delà de la date de péremption de la garantie.

Conte de noël, manifeste politique et poétique, Le Havre est une déclaration d’amour à la désobéissance civile et aux résistants du cœur qui refusent de se résoudre au fait que le désert croisse. C’est aussi un clin d’œil amical à un pays aimé, la France, qui devra décider dans quelques dizaines de jours si elle préfère la laideur d’âme de la peur ou l’odeur de miracle de l’altérité.

LE HAVRE : BANDE-ANNONCE Full HD par baryla

Nous ne remettons pas de la suspension de la franchise Jason Bourne, mais il suffit d’un bon oiseau pour changer une autre franchise fatiguée en nuée de bon augure. Tel Mission impossible protocole fantôme élevé par le maître de l’animation Brad Bird (Ratatouille, les indestructibles) en un jeu de chat et la souris burlesque qui mène de l’explosion en direct du Kremlin à la plus haute tour du monde à Dubaï (Seul le cinéma) jusqu’à un garage automatique de Mumbaï (Inde nous rappelle Tom Cruise).

Le Cruise, producteur et acteur, ne s’est pas trompé d’équipe pour réunir les membres du meilleur blockbuster de l’année, jusqu’à la belle Léa Seydoux en française tueuse et canaille nommée Moreau en hommage à la belle Jeanne. Il se paie même un sidekick de haut vol avec Simon Pegg en britannique roux et bavard qui ricane lorsqu’il pense avoir entendu son boss dire qu’il devait pénétrer dans le Kremlin, ce qu’il fera avec le Cruise, et estime ne pas avoir à sauter de l’immeuble le plus haut du monde étant donné qu’il doit rester sur son ordinateur.

Le film culmine dans une scène impressionnante où la star donne de sa personne à descendre la tour Burj Khalifa en varape. Dans un film d’action asexué, il ne reste plus que de bons copains, des sensations fortes et des simulacres de réalité pour se donner une raison de vivre, simulacre de vie amoureuse, d’adultère et de luxe. Au moins peut-on se demander entre deux seaux de pop-corn avec quels amis nous sommes prêts à nous engager dans nos missions impossibles.

Mission: Impossible Protocole Fantôme -… par Paramount_Pictures_France

Martin Scorsese aime la France qui le lui rend bien. Dans le temple de la cinéphilie, il est le roi, réconciliant les amoureux de la mise en scène et les amateurs de sensation forte. Hugo Cabret lui permet de rendre hommage à ce pays, à sa drogue douce nommée cinéma, et au cinéaste qui fut l’un des premiers à saisir la capacité de cet art à “capturer les rêves”, Georges Méliès (1861-1938), qui mourut dans la misère après avoir été le premier créateur d’un studio de cinéma en France, avant de finir sa vie professionnelle comme vendeur de jouet dans la Gare de Montparnasse.

Scorsese adapte le roman de Brian Selznick qui place cete histoire d’adulte réfugié dans la chambre chaude de l’enfance au niveau du regard d’un bambin, le petit Hugo qui remonte les horloges d’une gare qui rassemble les éléments composites des stations de chemin de fer parisiennes. Il garde comme seul souvenir de son père (Jude Law) un automate qui ne semble pouvoir fonctionner qu’avec une clé en forme de coeur, détenue par la petite-fille du cinéaste.

L’hommage supporte rarement plus qu’un clin d’oeil (nommer un personnage Tourneur dans Le deuxième souffle qui est un hommage au cinéaste Jacques Tourneur, mettre une photo de François Truffaut en kiosque dans Police alors que le cinéaste était décédé pendant le tournage, utiliser la musique de Delerue pour Le mépris dans Casino, etc.), au risque de virer à la séquence de pistolet à miel. Martin Scorsese n’échappe pas à l’écueil en dressant la liste des héros de la littérature française pour enfants (Jean Valjean, Jules Verne, etc.) et en surlignant son admiration sympathique pour Georges Méliès et les pionniers du cinéma muet.

Hugo Cabret relie la passion du cinéaste pour le cinéma, magnifiée dans ses films consacrés au cinéma américain et italien ou son travail de restauration de films mené à travers sa fondation, à la cinéphilie française, la seule qui selon Godard soit en mesure de concurrencer sur la durée la cinéphilie américaine, et à laquelle il n’a sans doute pas osé s’attaquer dans le pays qui passe plus de temps à analyser le cinéma qu’à en faire. Mais la machine à rêve a depuis longtemps franchi l’Atlantique, et les meilleurs rêves de Pixar personnifient mieux aujourd’hui cette passion que ce sympathique hommage au siècle de cinéma français rassemblant des rêves aussi divers que ceux de Georges Mélies et Jean-Pierre Jeunet.

HUGO CABRET – bande-annonce – VOST par metropolitan_filmexport

Nous sommes parfois bien obligés de constater qu’aucun film français n’a été totalement mis en scène depuis Les demoiselles de Rochefort en 1967. Il y a bien eu des cinéastes peintres (Maurice Pialat), des cinéastes littéraires (Arnaud Desplechin, Pascale Ferran), des cinéastes philosophes (Bruno Dumont), des cinéastes rock’n roll (Claire Denis, Jacques Audiard) ou de bons entertainers (Jean-Pierre Jeunet), mais de films totalement mis en scène au sens où l’étaient ceux de Renoir, Bresson ou Demy, point.

Cinéma dans la Lune célébrant un cinéma de la colère et de la joie, nous avons pris le parti d’une fausse comédie musicale pour notre adaptation du Cosi fan tutte de Wolfgang Amadeus Mozart. Il fallait bien commencer par chanter en play-back les douces mélodies de Lorenzo Da Ponte sur l’impermanence des sentiments et l’amour de l’amour, chose faite dans le hall du collège Eric Tabarly assez cinégénique avec ses casiers aux couleurs vives comme dans le film de Jacques Demy.

Nous voici au coeur du sujet : marcher dans les pas d’Alain Resnais, cinéaste de l’altérité dénonciateur du colonialisme (Les statues meurent aussi), du silence dans années 50 sur l’extermination des juifs d’Europe (Nuit et brouillard) et de la dénonciation de l’horreur d’Hiroshima et de la prolifération atomique (Hiroshima mon amour), mais aussi cinéaste de divertissement passionné de musiques populaires auxquelles il rendit hommage dans On connaît la chanson.

Il m’a paru particulièrement intéressant de constater en visionnant la mise en scène par Peter Sellars de la trilogie Da Ponte (Merci Morgane de La Malle aux histoires) son choix de confier les rôles de Don Giovanni et Leporello à deux frères noirs. C’est donc un jeune noir qui ouvre la partie chantée du film. Un jour, il sera naturel de confier des premiers rôles à des noirs dans l’opéra français, et nous appartiendrons à la Préhistoire. Jusque-là, nous avons l’impression de réaliser un film de science-fiction.