La manière la plus courte de rédiger ce blog consisterait à conseiller à son imbécile auteur d’ouvrir son pantalon plutôt que de poser ce genre de question stupide. Et pourtant, la rétrospective de l’oeuvre de Catherine Breillat à la Cinémathèque française offre l’opportunité de redécouvrir des films entièrement tendus vers l’étonnement, le désir et la colère des femmes envers le sexe de l’homme.

La cinéaste a surtout fait parler d’elle ces derniers mois par sa volonté de détruire la réputation du séducteur mythomane Christophe Rocancourt auquel elle aurait prêté des sommes d’argent astronomiques que ce dernier ne lui aurait pas rendues. Les cordonniers sont toujours les plus mal chaussés, et les femmes cinéastes qui invitent à se méfier du pouvoir de manipulation des hommes ne sont pas nécessairement les mieux armées pour s’en défendre.

Qu’importe, la cinéaste signe depuis trente ans une oeuvre extrême, dont les audaces font parfois oublier les maladresses (Rocco Siffredi jouant à être comédien dans Romance X et Anatomie de l’enfer vaut les meilleurs sketchs des dix comiques préférés des Français), et qui n’a cessé d’interroger l’ambivalence du désir des femmes envers le sexe de l’homme : fantasme de viol (Romance X, A ma soeur), tendresse envers le complexe de taille et l’exhibitionnisme des hommes (Grégoire Colin se promenant avec sa prothèse de pénis sur le plateau de Sex is comedy), colère envers la capacité des hommes à désirer sans amour (Romance X), besoin d’être désirée même sans espoir de conquête (Anatomie de l’enfer), etc.

La rétrospective sera également l’occasion de voir les films qui l’ont inspirée, et notamment Marlon Brando en campagne de publicité pour le beurre dans Le dernier tango à Paris, ainsi que ceux dont elle a signé le scénario, comme Police de Maurice Pialat, l’un des plus grands films noirs français avec Gérard Depardieu et Sophie Marceau. Et puis comme disent les cinéastes, qui ne manquent pas tous d’humour, à la fin d’une prise, Coupez !

Rétrospective Catherine Breillat à la Cinémathèque Française, du 1er au 20 septembre 2010

ANATOMIE DE L’ENFER bande annonce

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L’homme qui a prononcé la fusion de la philosophie et de la poésie, Martin Heidegger, a créé l’un des plus grands renversements intellectuels de tous les temps en estimant que la seule question qui valait la peine d’être posée était celle de l’être. Mais qu’est-ce que l’être d’une pomme, semble se demander la vieille dame de Poetry de Lee Chang-Dong, un nouveau chef-d’oeuvre qui nous vient de Corée du Sud, l’un des seuls pays au monde avec la France à nous offrir encore des films adultes ? Selon le philosophe allemand, l’être d’un tableau de Van Gogh qui représente une simple paire de souliers d’un paysan se manifeste par la présence de “ce qui est là, comme si soi-même, tard un soir d’automne, quand charbonnent les derniers feux de pieds de pommes de terre, on rentrait fatigué des champs avec la pioche sur l’épaule”.

La pauvre Mija a fort à faire avec son petit-fils délaissé par sa fille divorcée, et qui se retrouve mêlé à un viol collectif sur une collégienne qui s’est donnée la mort. Les pères des autres adolescents impliqués dans le crime tentent d’étouffer l’affaire en payant 30 millions de won (environ 20 000 euros) à la mère de la jeune fille. Mija prend des cours de poésie alors qu’elle perd progressivement la mémoire et plonge dans le nouveau monde qui s’ouvre à elle : le rouge sang des amarantes agit comme un bouclier face à la brutalité du monde, les abricots tombent vers leur renouveau, etc. Elle devient poétesse.
Le cinéma chez Lee Chang-Dong, pour paraphraser le père Heidegger, est fondation de l’être par l’image et le son : attachement au courage des femmes dans notre société machiste (même le proviseur du collège tente d’étouffer l’affaire), puissance de la nature face à notre horizon de béton, fusion de l’honnêteté et de la poésie chez un policier incorruptible, expression de la douleur par la métaphore (le dialogue sublime entre les deux femmes, alors que Mija est envoyée par les hommes pour négocier avec la mère de la colégienne). Poésie vient du grec poiesis qui signifie “création”. Chez Lee Chang-Dong, la poésie fonde et refonde, ressuscite les morts et réconcilie les êtres et le monde. “Ce qui demeure, les poètes le fondent” écrivait Hölderlin. Le bruit et la fureur n’auraient-ils pas plus d’importance que le vent ?

POETRY : BANDE-ANNONCE VOST ‘Festival de Cannes 2010’
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Alors que les préjugés envers diverses parties de la population reviennent en force au plus haut niveau de l’Etat, l’organisation de la rétrospective Ernest Lubitsch, dont la célèbre touch qui porte son nom consistait à retourner les préjugés par un regard caustique sur la déraison humaine, est la bienvenue.

D’aucuns se vantent d’être des hommes à femmes ? Lubitsch invente la femme amoureuse de deux hommes qui n’a pas à se conduire en “gentleman” (Sérénade à trois, l’un des films préférés de Truffaut). Greta Garbo avait-elle la réputation de ne jamais sourire ? Le cinéaste lui offre l’un de ses plus beaux rôles en commissaire politique soviétique dans la comédie Ninotchka. La cruauté d’Hitler nous interdirait-elle de continuer à prendre plaisir à vivre ? Lubitsch en fait un misérable bouffon dans To be or not to be. Les séducteurs sont-ils incasables ? Claudette Colbert remet dans le droit chemin un milliardaire sept fois marié dans La huitième femme de Barbe bleue, où l’on apprend que la seule façon d’entrer dans les hôpitaux psychiatriques ultra-sécurisés consiste à aboyer à la porte. Les séducteurs sont-ils condamnés aux flammes de l’enfer ? Gene Tierney donne une seconde chance à l’un de ces plus fameux jouisseurs.

Ce Berlinois naturalisé américain aimait passionnément la France, les femmes et le burlesque. Il a imposé à Hollywood un style de comédie d’une rare élégance, gouverné par le sens du rythme et le bon mot, conçu avec les meilleurs techniciens (Billy Wilder au scénario) et les plus grandes comédiennes. Les schémas de ses films sont encore appliqués aujourd’hui (la plupart des films de Pierre Salvadori rejouent Haute pègre, tous les trios amoureux rejouent Sérénade à trois, les comédies amoureuses sur “deux êtres que tout oppose” refont inlassablement The shop around the corner etc.). Mais plus talentueux que la plupart de ses imitateurs, il est celui qui nous invite à voir le monde par-delà nos guerres froides. Un cinéaste lubitschien moderne filmerait un Rom à l’Elysée ou un taliban féministe.

Rétrospective Ernest Lubitsch à la Cinémathèque, du 25 août au 10 octobre, Ouverture avec Jeux dangereux (To be or not to be) le 25 août à 20 heures

Voilà un homme qui a posé toute sa vie l’une des plus passionnantes questions du siècle révolu : “qu’est-ce qui rend la haute culture si vulnérable aux sirènes de la barbarie ?” Une sélection de ses articles parus de 1967 à 1997 pour le magazine de référence The New Yorker fait l’objet d’une publication chez Gallimard.

Cet homme né en France en 1929 de parents juifs viennois a mis le nez pour notre bonheur dans tout ce que la littérature, la poésie et la philosophie ont compté de grand au cours du siècle : le grand et non moins polémique philosophe allemand Martin Heidegger sur lequel il a écrit un ouvrage aussi précis que concis (Martin Heidegger), Kafka et l’école de Prague, Karl Kraus et l’école viennoise (Vienne étant selon lui la ville qui a le plus marqué le siècle, lieu d’invention de la satire anti-bourgeoise, de la psychanalyse, du roman déconstructionniste et du nazisme), Philippe Ariès et l’histoire française structuraliste, Louis-Ferdinand Céline (“C’est dans le Voyage que détonent pour la première fois dans la langue le rythme du rock”), André Malraux (dont il moque le biographe, notre stakhanoviste Jean Lacouture, en rappelant qu’un certain John F. Kennedy disait de l’ancien ministre de la Culture :”il nous laisse loin derrière”), la philosophe Simone Weil (“il n’y a eu dans la tradition occidentale qu’une femme philosophe de rang”), Michel Foucault et la french philosophy qui dialoguait avec les maîtres allemands (“tout se passe comme si l’occupation de la France par les ALlemands avait laissé de profondes cicatrices qui se transformèrent en autant de sillons”), etc.

Il ressort de ses articles écrits avec un humour et une curiosité sans égal une morale et une esthétique que nous résumerons comme suit. 1. Apprends les langues étrangères pour réaliser que chaque langue possède son propre imaginaire. 2. Oriente ta libido sur des activités créatives (littérautre, peinture, cinéma, jardinage, etc.) plutôt que sur les stagiaires en jupe. 3. Préfère l’amitié, l’insoumission et le débat au drapeau, à l’autorité et au Grand Soir qui ont déjà fait beaucoup de morts.

Nous parlons tout de même d’un homme qui apaise un soir son ami Arthur Koestler, privé de retour dans son pays natal la Hongrie, en lui affirmant que sa plus grande récompense littéraire consistait à figurer sur la liste noire du KGB pour avoir écrit Le zéro et l’infini. Etre intelligent pour George Steiner, c’est préparer son entendement à effacer une inquiétude sur le visage des êtres qu’on aime.

George Steiner, Chroniques du New Yorker, Arcades Gallimard, 18 euros

“Le spectateur ne met pas un bulletin dans l’urne lorsqu’il va au cinéma” disait le cinéaste François Truffaut à propos de l’insuccès d’un film de Maurice Pialat qu’il avait produit, L’enfance nue. Stendhal comparait quelques dizaines d’années plus tôt la politique dans une oeuvre d’art à un “coup de pistolet dans un concert”. Il faut entendre les jeunes cinéastes dans les festivals de court-métrage se vanter de faire du cinéma de l’indicible pour se rendre compte quels ravages ont pu faire ce genre de propos, alors qu’ils ont été tenus par des artistes considérés en leur temps comme subversifs pour s’être attaqués dans leurs oeuvres les plus célèbres à la religion pour l’un (Stendhal dans Le rouge et le noir) et à l’antisémitisme pour l’autre (Truffaut dans Le dernier métro).

Mais que signifie faire du cinéma politique ? Un film n’est certes pas un tract, mais ce n’est pas non plus un nuage de fumée. Polis est souvent traduit du grec par “cité” ou “Etat”, ce qui mène la politique vers les “affaires de la cité”, mais le philosophe Martin Heidegger (dans Introduction à la métaphysique) voyait un autre usage à polis par Sophocle dans le premier choeur d’Antigone : “Polis signifie plutôt le site, le là, dans lequel et en vertu duquel l’être-le-là est historial… Tout est politique, c’est-à-dire dans le site de l’histoire, en tant que par exemple les poètes sont seulement des poètes, mais vraiment des poètes… Or sont veut dire : emploient la violence en tant qu’ils sont situés activement dans la violence, et deviennent éminents dans l’être historial comme des créateurs, des hommes d’action.”

Le philosophe allemand aurait été bien inspiré de balayer devant sa porte plutôt que d’adhérer deux ans au parti nazi, mais il peut arriver à un petit homme d’être un grand philosophe, et de nous éclairer sur l’objet de l’art, et donc du cinéma. Faire du cinéma politique ne veut pas dire faire du cinéma de droite ou de gauche, mais signifie parler du site où l’être du cinéaste devient historial, c’est-à-dire se saisir des plus hautes interrogations de l’histoire de son temps. Clint Eastwood est un cinéaste politique par sa manière de filmer les noirs américains (Bird, Impitoyable, Million dollar baby) comme des êtres dignes alors que Hollywood les cantonne souvent aux rôles de faire-valoir du héros. Abdellatif Kechiche (L’esquive, La graine et le mulet, prochainement La vénus noire) est un cinéaste politique en ce qu’il filme les souffrances des Français ou des immigrés vivant en France et rejetés pour ne pas appartenir au modèle dominant.

Quel est l’objet du projet de loi du Président de la République française consistant à retirer la nationalité aux Français coupables de porter atteinte à des représentants de la loi, de polygamie, etc. ? Créer deux classes de Français, les citoyens confirmés et les citoyens en sursis, en s’opposant au principe de l’égalité devant la loi. Etre un cinéaste politique en France aujourd’hui, c’est filmer les manifestations de cette grande peur des “étrangers”, et plus généralement de la différence. Ce n’est certainement pas filmer les policiers comme des brutes, ou les sans-papiers comme de gentilles personnes, c’est se poser la question de l’autre et du même aujourd’hui en France : quelle est la souffrance d’un Français noir, maghrébin ou d’origine asiatique dans sa vie quotidienne ? D’où viennent les violences dans les quartiers difficiles ? Quelles sont les difficultés rencontrées par une femme pour être respectée au travail ou dans sa vie privée ? Quelles sont les formes du vivre ensemble aujourd’hui en France ? C’est au prix de ces questions que l’on peut se proclamer cinéaste. Sans se poser ces questions fondamentales, un réalisateur prend le risque de passer pour un gentil portraitiste ou de se tromper de siècle.

L’étau se resserre autour de l’un des sujets majeurs de ce blog, à savoir le dévoilement progressif de mon éventuel lien de parenté avec Albert Dupontel (l’autre sujet étant l’évolution du cinéma de l’être selon une perspective heidegerienne dans les années 50, au cinéma de l’autre selon une perspective levinassienne, aujourd’hui).

La sortie du film de Bertrand Blier Le bruit des glaçons le 25 août, avec Jean Dujardin et Albert Dupontel, marque une nouvelle étape qui pourrait s’avérer cruciale pour toutes les recherches généalogiques des bassins de Savenay (44), où vivait mon arrière grand-père, et de Vannes (56), d’où vient le père d’Albert Dupontel.

Quelques lignes du journal intime de mon grand-père pourraient nous apporter une piste majeure en vue de mettre à jour une nouvelle dynastie d’artistes dont le public est friand : ”

En 1903, mon père était allé avec son frère à Béganne dans le Morbihan, ils étaient tombés dans un secteur qui n’avait jamais vu de bicyclette. Les enfants se sauvaient devant eux comme des lapins.”

Mon arrière grand-père a-t-il appris la bicyclette à l’arrière-grand-mère d’Albert Dupontel ? Toutes les hypothèses sont ouvertes, et nous aurons bientôt droit aux rôles qui nous sont promis de frères policier et voyou “que tout oppose” dans un film de James Gray, ou bourgeois de province et envieux dans un film de Claude Chabrol, incestueux dans un film de François Ozon ou même noirs dans un film de Claire Denis (Mais les rôles de noirs sont tellement rares dans le cinéma français que je suis certain qu’Albert sera d’accord pour les refuser).